Author: aucasoucataiderais

Spike Lee Do the right Thing – Analysis of the riot scene

If you know anything about American’s film history, you probably know about Spike Lee’s famous film: Do the Right Thing (1989). Most importantly, you must have watched the movie and even today, you must remember the riot scene at the end of the movie. This particular scene included most of the social issues debated by Lee’s cinematography. Although the whole movie implements discussed topics of the late 80s, the part with the most impact is this scene. Through many cinematic and formal properties, elements like racisms and ethnic equality are manipulated in the sequence. With the use of mise-en-scene, dialectic montage, music, manipulation of reality and racial stereotypes, Lee provoked discussions and reactions from his viewers.

The scene discussed starts exactly when Radio Raheem (Bill Nunn) and Buggin’ Out (Giancarlo Esposito) enter Sal’s (Danny Aielo) pizzeria. Raheem is carrying his radio and, like always, he’s playing the song Fight the Power by Public Enemy very loudly.

Having asked Radio Raheem earlier that day to turn down the music, Sal is now losing his temper and he starts yelling at Raheem to stop the music. Since Radio Raheem and Buggin’ Out specifically came in the pizzeria to threat Sal about the pictures on the wall of the restaurant, the discussion quickly takes another angle. Everybody starts yelling nonsense at each other while Sal takes the baseball bat he has behind the counter and starts hitting on Raheem’s loud radio, which is on the counter. The music stops and leaves the whole place completely silent until Radio Raheem jumps on Sal and they start to fight. They eventually end up outside, the cops arrive and try in vain to separate everybody. In the middle of the screams, the spits and the fighting, three policemen begin to strangle Radio Raheem with their police baton. They only stop once he’s dead even if he had stopped being a threat long before his last breath.

In the midst of all this chaos, the main character, Mookie (Spike Lee), takes a garbage can and throws it at the window of his boss’s pizzeria. The crowd of black people get excited again and so they start to demolish everything in Pal’s restaurant. After setting fire to the place, firemen arrive and try to do their job as black people are fighting against them. Then, we see Mookie sitting on the pavement on the other side of the street, completely awestruck by what he’s seeing. The scene ends with Smiley’s (Roger Guenveur Smith) character pinning pictures of Martin Luther King and Malcolm X to the wall of the burning pizzeria. The whole scene lasts for about twelve minutes leaving any spectators into a thoughtful state of mind.

This scene sure leaves everyone into thoughtfulness, but it’s not just the actions in it that are doing this effect. Lee uses many subtle mise-en-scene strategies to show the relation between the characters. The first things he uses throughout the scene are high and low angles to show superiority or inferiority. The first example happens when Radio Raheem and Buggin’ Out enters the pizzeria.

The camera is placed lower so that they look taller whereas the camera is placed over Pal’s head to show that he’s inferior to them at that moment. The second example happens after Pal destroys Raheem’s radio, his face is shown from bellow, making him the superior race as he’s white. Radio Raheem’s face is shown from above to make him inferior. The third example happens after they start to fight. All the shots of black people are shown from bellow except one shot where we see Mookie. This character works for Pal so he doesn’t necessarily want to cause him any trouble. Therefore he doesn’t feel like the race he belongs to. Also, while Pal is beaten; shots of his sons are shown from above to show their inferiority.

The second thing that Lee uses in this scene are canted frames. These distorted frames are used to show the twisted relationships between the characters. Small mise-en-scene moves like these often catch the eye of the spectators. It reminds them that they are watching a movie and it makes them question themselves (Carter, 2012). This is part of why Spike Lee’s movie is so brilliant.

Even though Lee’s use of mise-en-scene is smart, his dialectical technique and the use of the song Fight the Power are as well. In this particular scene he uses dialectical montage only once. This type of montage comes from Eisenstein, a soviet film director from the 1920’s. Dialectical editing is less time coherent than other types of editing. It plays with emotions and confusion to provoke a reaction from the spectators. It is possible to see it when Mookie throws the garbage can at the pizzeria window. First, there’s a shot of the tool breaking the glass from outside and then, there’s a shot of the metal container and millions of pieces of destructed glass from inside the restaurant. The same action can be seen twice even though it only happened once. Dialectical montage is used in this scene to create opposition and to remind the audience that they are watching a movie. (Hewson, 2017) Lee desires to remind the fictional aspect of his movie to his audience in part because he wants them to think and also because he expects a reaction from them. In spite of that, the song Fight the Power is used multiple times during the scene. This song was written by black people and with the purpose to show their pride. The song is often heard in the presence of Radio Raheem. After his death, the song only starts to play as a shot of the burning interior of the pizzeria is shown and it continues to play until the end of the scene. The song was cleverly place there because, as the lyrics are heard, the shot seen is proof that black people of this fictional neighbourhood indeed fought the power.

As it should be known, this film was shot in a New York neighbourhood. Lee deliberately insisted that his movie wouldn’t be filmed in a studio for sake of realism. Interestingly though, he made many changes to the streets where he decided to film. For example he replaced some windows and some doors, he repainted walls, he added graffiti and he even built the main set of the whole film: the pizzeria. The actors he paid to walk in the streets were purposely dressed in bright colors in order to refer to African culture. He even paid security to guard the area to make sure the prostitutes and drug dealers of the surroundings wouldn’t be seen on set while he was filming. The reason behind this is to show the majorly white audience the opposite of what they expected. Lee wanted an audience focused on the racial situation, not one focusing on all the wrongs of the “inferior race”. He omitted to use certain racial stereotypes therefore making a greater impact.

Even though there are some dismissed tropes in Spike’s movie, there are still some. There is one in particular that seems to be necessary, otherwise it would change the whole course of the story. This trope is the extent of Buggin’ Out’s reaction in relation with the original problem which is, the owner’s choice of pictures hanging on the wall. Indeed, Buggin’ Out’s opinion is personal and whether Pal wants to put pictures of Italian celebrities on the wall of his pizzeria or not shouldn’t bother the black man enough to cause a riot. This trope is called disproportionate retribution and they are often used in black movies. It means that the cause and the event aren’t correlating. In other words, this trop represents that black people seem to exaggerate more than white people would.

In summary, the movie is a call for racial justice. Spike Lee wanted to create discussions among people and he succeeded. With the use of fine mise-en-scene, Lee displayed relations between races. He used dialectical montage to remind the audience that they were sitting in a theatre and music like Fight the Power to make his message appear stronger and clearer. Manipulation of reality is used to play with people’s minds and make them forget about their original misconceptions. Finally Lee used generic tropes to expose the vulnerability of black communities even more. The film he created is reactionary. Though the riot scene could’ve been avoided, it was necessary to make an impact and it was used brilliantly.

Watch it on Netflix

I’ve decided to post an analysis on Do the Right Thing since Netflix Canada announced that the movie would be available on their site starting June 5th. For any of you that are Netflix users, I invite you to go watch and enjoy the movie. If not, you may purchase the DVD by clicking on this link:

Do the Right Thing (20th Anniversary Edition) [Blu-ray] (Bilingual)

Game of Thrones: The Best Behind the Scene Videos

Spoilers ahead!

I love watching behind the scene videos because it makes me realize all the work that has been put into whatever I’ve just watched. When a film, a TV series or whatever it is that I’m watching is really good and well made it makes me forget about all the work behind it and I just completely lose myself in the story will I’m watching. Afterwards, when I take time to look at the behind the scenes, it makes me love it even more because I can hear all those passionate people explaining how all the magic was created.

This week, the ending of the remarkable HBO series: Game of Thrones saddened a lot of people. Although endings of TV shows are always hard, GOT gave us one hell of a ride. After 8 seasons, 71 episodes and 8 years of keeping viewers on the edge of their seats, fans have now no other option but to make peace with they way the show ended.

After watching Bran become the ruler of the 6 kingdoms and protector of the realm, Sansa becoming the Queen of the North, Aria leaving port to explore the world, and John return to the land of bastards and criminals, I’ve decided to explore the Internet in search of the best behind the scene videos I could find on Game of Thrones, just to keep these characters alive for a few more days.

Here are the best videos on how game of thrones was made that I could find:

The Battle of the Bastards

What’s so special about this fight is the fact that there is lots of it that isn’t CGI. One thing I never thought about is all the horses in this fight that need prior training. I never realized that on the set of Game of Thrones, there are people to whom their job is to train horses and create a realistic setting for these big animals.

Game of Thrones without Special Effects

This video is interesting to watch because it shows us images of what Game of Thrones would look like without special effects. You get to see what the set actually looks like and what the actors have to play with.

The “A Story of” HBO video series

The HBO Game of Thrones YouTube channel has a lot of interesting content. They made a series of video that I think are particularly interesting because of their short length and because of their thematics. The series is called: A story of. Here are four of these videos.

A Story of Visual effects

A Story in Camera Work

A Story of stunts

A Story in Prosthetics

Game revealed: The Long Night

This episode was filmed over many cold nights. The whole process of how they created trenches and how they lit them on fire is captivating. Also, have you ever wondered how Kit Harrington reacted when he learned that he wasn’t going to be the hero who kills the night king? Watch this video to find out.

The Frozen Lake

That scene is particularly fascinating because of its setting. The frozen lake scene was filmed in Iceland. The actors react to how beautiful the place is and the crew worries that the place is too beautiful for the audience to believe it’s actually real.

Also, this fight was so intense and scary and it’s interesting to know how the actors were directed in a way to purposefully lead the audience into thinking one of them was going to die.

Dragonpit meeting

This scene reunites characters that have not seen each other for a long time as well as cast members that have not played together before. It’s interesting to hear what each actor has to say about their role and those encounters on set.

The Loot Train Attack

This fight is the first one where Daenerys is unleashed in Westoros and where she shows what she’s capable of. This is the first battle where the audience really sees the extent to which the Targaryan queen is ready to go to sit on the iron throne.

This video is interesting to watch because we get to hear about every characters point of view? How they’re feeling during the attack, about the attack. Why their character is acting in a certain way?… etc.

Continuity is also a big issue while filming this fight, which is something that the audience often forgets about.

Game revealed: The bells

I find the behind the scenes of this episode interesting to watch since it’s a really important one. This is the episode when Daenerys burns down king’s Landing.

This video brings the topic of having to find solutions to hide the set from fans trying to get sneak peeks with drones and all sorts of technologies especially since this king’s landing set was built in the parking lot of the Paint Hall studio.

18 Hours at the Paint Hall

The title of this video is pretty self explanatory has to why it’s so interesting to watch. Basically, the audience is taken into a tour of the Paint Hall studio in Belfast during an 18 hours working day. We get to see what a day looks like for the crew and the cast of Game of Thrones while filming at the Paint Hall.

Farewell to Game of Thrones

These videos are quite funny but they are also very emotional. Listening to every fun facts that each actors or crew members have to say about the series is undeniably moving.

The cast remembers season 8 

The cast signs off last episode 

https://www.youtube.com/watch?v=A5qGIaV7Ps0

I hope you guys enjoy watching behind the scenes videos just as much as I do. Hopefully you learned a few things from watching these captivating videos.

Xavier Dolan; un phénomène Québécois qui ne cesse de nous surprendre.

Xavier Dolan by Shayne Laverdière for Télérama, March 2019 [x]

Par ses origines, sa personnalité et ses ambitions, nous comprenons assez vite la motivation des ses créations artistiques. En travers son travail d’acteur, de réalisateur, de scénariste et bien d’autres, Xavier nous emporte dans un monde désireux de métamorphose. Simplement par sa citoyenneté, sa langue et sa culture, il nous ouvre des portes en plein centre de l’univers Canadien.  Bref, ses scénarios annuels sont prometteurs d’un avenir meilleur.

Xavier Dolan est tout ce qu’il prétend ne pas être. Quand on lui demande si ses films sont des films d’auteur, il répond que « dans la vie, il y a des bons films et des mauvais films. Des films qui marchent et d’autres qui ne marche pas. En ce qui le concerne, ça devrait s’arrêter là » (Tout le monde en parle, 2015). À multiples reprises, Dolan est appelé cinéaste, innovateur, génie et même prétentieux. Les opinions impopulaires disent de lui un excessif qui fait des choix populaires pour plaire aux gens. Ces qualificatifs, autant flatteurs que méchants sont toujours vite repris par l’artiste dans des entrevues ou bien sur les réseaux sociaux. Xavier Dolan n’a pas la langue dans sa poche, il a des opinions et il les expriment peu importe ce qu’en sera la rétro action. Malgré les commentaires mal justifiés retrouvés sur les réseaux sociaux, de grandes personnalités Québécoise telles que Julie Snyder ne sont pas gênées de supporter Dolan en le surnommant de « monument » ou encore même d’ « ovni » pour la société Canadienne française. On dit aussi de lui qu’il a le don de décomplexer les gens. Il s’assume et de là en inspire plusieurs. Alors s’il est déjà tout cela, il y a de la place pour quoi d’autre? Xavier Dolan n’est pas seulement un cinéaste, il est avant tout un humain avec des émotions et des ambitions. Il a compris qu’ « [il] est [sur Terre] pour raconter des histoires »(Mercier, L’actualité, 2017). C’est de cette façon qu’il croit réussir à avoir un impact sur la société. Son désir brulant de changer le monde lui est inspiré du fait que « le monde est malade » et surtout du fait que l’idéologie du monde doit changer (Mercier, L’actualité, 2017). Xavier croit au fait que les émotions profondes que transmettent ses films peuvent réellement être à l’origine d’un changement puisque « la culture, c’est ce qui détermine l’âme, le caractère, la mémoire, la couleur, la voix d’une société » (Mercier, L’actualité, 2017). Outre ce désir, Xavier est un homme, homosexuel, sortit du placard depuis quelques années déjà. Le prix de la lutte contre l’homophobie lui a d’ailleurs été remis en 2011 par la Fondation Émergence. Plusieurs de ses films sont une réelle influence pour la cause de l’homophobie. Un défi qu’il aura lui-même dû affronter. « Son intelligence hors du commun et son cerveau toujours à l’ouvrage » (Anne Dorval) lui permettent d’être respecté par plusieurs. Je dirai alors à ceux qui le trouve arrogant : « qu’il ait la prétention de partir à Canne dans le simple but de gagner ne lui enlève absolument rien lorsque s’y rendre dans l’espoir de perdre serait totalement absurde » (Anne Dorval). Le monde continue alors de croire en son talent et en son évolution en travers ses nombreux projets.

Étant fils de Manuel Tadros, un homme aux origines égyptiennes, acteur et chanteur, Xavier à une place presque promise dans le domaine du cinéma. Il débute alors sa carrière à l’âge de quatre ans seulement. Commençant par des publicités puis par des petits rôles à la télévision et au cinéma. Finalement, on l’engage pour sa voix. On peut donc l’entendre dans les versions française de films comme High School Musical, Harry Potter, les sagas Twilight et Hunger Games pour en nommer quelques-uns. Son parcours est alors loin d’être terminé. Sortit du pensionnat à 15 ans, où il aura vécu dès l’âge de 8 ans dû à la perte de contrôle sur ses problèmes d’hyperactivité, il habite chez de la famille pendant deux ans puis il s’achète un studio à Montréal et écrit son premier film autobiographique : J’ai tué ma mère (2009). Ce film, décrivant la relation malsaine entre un adolescent et sa mère lui aura couté ses économies accumulées depuis l’enfance. Alors que personne ne croyait en lui, il se rendra jusqu’à Cannes et gagnera un total de vingt mentions honorables dans plusieurs festivals Canadien et internationaux dont Meilleur film, prix Jutra (2010) c’est à dire meilleur que le film Polytechnique de Denis Villeneuve sortit la même année.

J’AI TUé MA MèRE (Version française)

En 2010, il sort son deuxième film : Les amours imaginaires qui lui vaudra aussi un apparition à Cannes ainsi que trois mentions honorables. Son troisième film Laurence Anyways sortit en 2012 parle de la transsexualité. On dit de ce film qu’il est : « une fresque émouvante et intime sur les chassés-croisés d’un couple en pleine mutation. » (Les InRockuptibles, 2012) Son ascension se poursuit en 2013 avec le film Tom à la ferme. Adaptation d’une pièce de théâtre, ce film est bien différent de ceux faits par Dolan auparavant. Un film thriller et dramatique racontant la visite de Tom à la ferme. Dans la même année, Dolan réalise une vidéo musicale de la chanson College Boy du groupe New Wave. Son travail provoquera de la controverse, mais Dolan saura fortement appuyer ses choix artistiques impopulaires. Le film que réalisera Xavier Dolan en 2014 lui vaudra une acclamation de treize minutes ininterrompues au festival du film de Cannes. Mommy, est un film qui raconte l’histoire d’une mère monoparentale d’un enfant hyperactif et violent. Le film, nous emporte dans une séduisante musicalité, un jeu d’acteurs extraordinaire ainsi qu’un réalisme à point. Encore aujourd’hui, ce film est celui qui aura apporté le plus de succès à Xavier Dolan.

Mommy [Blu-ray] (Version française)

En 2015, celui-ci sort de sa zone de confort pour réaliser la vidéo musicale de la fameuse chanson Hello d’Adele. Ayant plus de 2 milliards de vues sur YouTube aujourd’hui, il est normal que la vidéo incite des critiques négatives. Nombreux disent que : « l’usage d’une couleur sépia [est] un peu old school [et que la vidéo est] d’un format classique » (Thomas Montet, 2015). On critique même l’usage du téléphone à clapet. Dolan se défend en avouant « ne pas avoir l’âme d’un réalisateur de clips ». Et ajoute que la modernité est parfois anti-narrative afin de justifier son choix de téléphone. (Thomas Montet, 2015)

Ensuite, il réalisera le film Juste la fin du monde entièrement formé d’acteurs Français. Le tournage ce fera tout de même à Montréal. Suite à cette production, Xavier travaillera aussi sur son premier film Américain The Death and Life of John F. Donovan en salle de cinéma en 2018. Cette année, Dolan à jusqu’à présent écrit, réalisé, produit, monté et acté dans le film présentement en compétition au festival de Canne intitulé Matthias et Maxime.Outre ces nombreuses réalisations, Xavier Dolan est aussi comédien dans plusieurs films de différentes nationalités.

#matthiasetmaximecannes2019 cinéséries

Qu’on le veuille ou non, Xavier Dolan est à nous. Originaire du Québec, il produit des films en Français, dans son pays. En plus d’avoir un attachement très profond avec ses acteurs, ils sont eux aussi majoritairement Canadiens. Ses équipements, ses fonds ainsi que sont équipe de production le son aussi d’ailleurs. Faisant donc des jaloux partout en travers le monde pour son immense talent, le Canada est fier de se péter les bretelles en parlant du cinéaste Xavier Dolan. Par contre, ce qui nous rend encore plus fiers, c’est le fait que Dolan le soit aussi. En entrevue, parlant de son film Juste la fin du monde, il n’a pas peur d’avouer que son film reste tout de même Canadien malgré la totalité des acteurs Français. C’est lui le réalisateur et il est Canadien. Une autre raison qui rend les Canadiens fiers, est le fait que Dolan ne soit pas plus motivé par une réalisation Américaine qu’il ne le soit pour une réalisation Canadienne. Son film The Death and Life of John A. Donovan est sont premier film entièrement Américain. Les acteurs, la production l’équipement et surtout le budget sont Américains. Dolan avoue qu’il y a une énorme différence budgétaire entre une production Canadienne et Américaine, mais il nous rassure en disant :


« Mon but dans la vie, c’est pas de déménager à Hollywood, de faire des gros films pis de gagner des millions de dollars, je m’en tabarnaque. Vraiment. Pour moi, c’est pas une fin en soi d’être big. J’ai le désir de créer avec des moyens, en ayant du temps. J’ai le désir de travailler avec des acteurs que j’admire. Est-ce que je pourrais complètement cesser de faire des films? Je ne sais pas. C’est ma passion. J’en ai besoin pour vivre, j’en ai besoin pour respirer ».

Noémi Mercier, L’actualité, 2017

C’est avec des propos comme ceux-ci, que les Canadiens peuvent cesser de s’inquiéter. Le travail de Xavier aura toujours ou du moins plus qu’autrement la marque d’un travail produit et réalisé au Canada.

À trente ans seulement, Xavier Dolan est le récipiendaire de soixante-douze mentions honorables et nominé pour cent cinq. Il est le réalisateur de huit films et de deux vidéos clips, il a écrit neuf scénarios et joué dans plus de 23 films. Ayant plusieurs titres défilant sous son nom, Xavier Dolan est une inspiration grandissante pour les jeunes, mais aussi pour les générations plus vieilles. Il nous dit de:

« [s’accrocher] à nos rêves, parce qu’ensemble nous pouvons changer le monde et le monde doit être changé. Tout est possible, à qui rêve ose, travail et n’abandonne jamais. »

Noémi Mercier, L’actualité, 2017

Ses paroles de discours sont désormais appréhendé par le public et ses films encore plus. Xavier Dolan fera des films jusqu’à sa mort, qu’on les aime ou qu’on ne les aime pas.

Bibliographie

Martel, Steve « Xavier Dolan TLMEP 08 02 2015 ». Video en ligne. YouTube, Publié le 21 février 2015. Internet. 12 décembre 2017. https://www.youtube.com/watch?v=UFD9iqtaN24

Mercier, Noémi. (15 Septembre 2017).  Xavier Dolan : « Tout est possible ». Site internet consulté le 12 décembre 2017 http://lactualite.com/culture/2017/09/15/xavier-dolan-tout-est-possible/

            Les InRockuptibles. (17 juillet 2012). Laurence Anyways : Un fresque émouvante et intime. Site Web consulté le 12 décembre 2017 http://www.lesinrocks.com/cinema/films-a-l-affiche/laurence-anyways/

            Montet, Thomas. (26 octobre 2015). Xavier Dolan répond aux critiques et moqueries sur le clip « Hello » d’Adele!. Site Web consulté le 12 décembre 2017. http://www.purepeople.com/article/xavier-dolan-repond-aux-critiques-et-moqueries-sur-le-clip-hello-d-adele_a167323/1

L’adaptation cinématographique d’Incendies

Introduction

Depuis le commencement de la cinématographie, lescréateurs étaient à la recherche d’histoires à raconter. Avec la venue dusystème hollywoodien, les producteurs de films étaient constamment désireux d’unprojet à financer. Le marché du cinéma se déroulait à une vitesse importantetoujours dans le but de faire plus d’argent. Par manque de temps pour lacréativité, les livres sont devenus les principaux objets d’inspirations pourla majorité des films. Encore aujourd’hui les grands studios hollywoodiensutilisent cette façon de faire qui, semble-t-elle, ne perd pas en efficacité.Ailleurs dans le monde, plusieurs autres cinéastes font de même. C’est le casde Denis Villeneuve, célèbre réalisateur québécois, qui a adapté la pièce dethéâtre Incendies. L’oeuvre originaleécrite par Wadji Mouawad a été grandement appréciée par le public. D’abord présentéen 2003, la pièce se retrouve finaliste aux prixlittéraires du gouverneur général, catégorie théâtre. En 2004, elle gagnemeilleur texte francophone prix SonyLabou Tansi et le prix des lycéens.À la suite de ce remarquable succès, Denis Villeneuve s’applique à la difficiletâche d’adapter ce texte déjà brillant pour en faire un film. En 2010,l’adaptation de Villeneuve sort en salle de cinéma. Avec la mention gagnante deplus d’une trentaine de prix, le film éblouit tout autant les spectateurs. Cesœuvres ayant toutes deux fait fortune, apporte un intérêt intéressant au faitd’analyser le travail d’adaptation en tant que tel. Par le fait même, ce textes’attarde à observer ce qui fait d’Incendies une oeuvre à part entière peuimporte par quel médium elle est vue. Afin de mieux comprendre ces deux succèsartistiques, ce texte analyse les principaux ajouts, suppressions ainsi quemodifications que Villeneuve a apportés au récit de Mouawad. L’analyse setermine en constatant la relation créative qu’on les deux œuvres ainsi qu’enrelevant l’essentiel de cette adaptation cinématographique.

Développement

Résumé de l’histoire

Incendies estl’histoire de Nawal, émigré au Canada du Liban, aujourd’hui mère de jumeaux,Jeanne et Simon. Suite à sa mort, Nawal laisse aux jumeaux un testament plutôtdéstabilisant. Le décès de leur mère dévoile aux jumeaux que leur père qu’ilscroyaient mort à la guerre ne l’est pas et qu’un frère dont ils ignoraientl’existence existe. Le passé lugubre de Nawal, jamais dévoilé auparavant,s’anime à mesure que la recherche identitaire des jumeaux s’approfondit. Jeannepart la première dans se long voyage au pays natal de sa mère afin de trouverréponses à ses questions. Plus tard, Simon la rejoindra afin de leurspermettent de se rendre au bout de cette histoire qu’est le passé de leur mère.Leurs identités alors complètement basculées, les jumeaux découvrent la véritésur leurs origines, sur leur naissance.

Aspect principaux de l’oeuvre

Bien que les évènements narratifs de l’histoire diffèrentd’une œuvre à l’autre, Incendies estconstruit, autant dans la pièce de théâtre que dans le film, sur quelquesaspects qui font de se récit une histoire à part entière. Le premier aspectimportant de cette histoire est l’esprit cartésien de la jumelle. Jeanne en està son doctorat en mathématique. Sa vie tourne autour des mathématiques et ellene prend sens que par celles-ci. Dès le début du récit, la présence des mathématiquess’installe. Dans la pièce de théâtre, toute une scène à lieu en classe et estdédiée à la résolution d’un problème mathématique. Le film contient une scènesimilaire. Lorsque l’histoire se poursuit, dans les deux récits, la formulemathématique « 1+1=2 » est souvent répétée. À vrai dire, ce qui confirmel’importance des mathématiques est le dénouement de l’histoire. L’événement quimène au dénouement est la scène où Simon rencontre Chamseddine pour connaitrele passé du frère. Simon apprend seul la vérité sur l’identité de se frère. Plustard, il utilise la formule mathématique « 1+1=2 » afin de faire comprendre àsa sœur ce qu’on vient de lui apprendre. Jeanne qui depuis toujours comprend lavie avec des formules mathématiques comprend assez vite la situation.

Dans le même ordre d’idée, les mots et plusparticulièrement une phrase ont un impact assez particulier sur les personnagesde cette histoire. Dans les deux récits, il y a cette phrase d’une grandeimportance qui est répétée à plusieurs reprises : « Maintenant que noussommes ensemble, ça va mieux. Il n’y a rien de plus beau que d’être ensemble ».Pour l’histoire qu’est Incendies,cette phrase est un signe d’espoir et de fin heureuse. Le premier à prononcerces mots dans la pièce de théâtre est Wahab, le premier et seul vrai amoureuxde Nawal. Après avoir entendu cela pour la première fois, Nawal s’en souviendrapour le reste de sa vie et elle en fera sa devise. D’ailleurs, après avoir vécudans le silence pendant cinq ans, Nawal dit cette phrase une dernière fois puiselle meurt. Pour ajouter à son importance, cette phrase se retrouve ensuite aussidans chacune des lettres que Nawal a laissées à ses enfants ainsi qu’à leurpère.

Finalement, le dernier aspect qui est au cœur de cettehistoire est la quête identitaire. Puisque le film est issu d’une temporalitévariable, le spectateur est témoin en simultané de cette quête qui a lieu chezNawal et chez les jumeaux. Après avoir été séparé de son premier fils orphelinné d’un amour religieusement honteux, Nawal tente de réparer ses blessures en poursuivantson éducation. Lorsque la guerre éclate, elle n’y voit aucune utilité alorselle part à la recherche de son fils issu de l’amour. Sa quête durera plusieurslongues années au cours desquels elle prendra des décisions et posera des actesqui forgeront la personne qu’elle deviendra. Quant à eux, les jumeaux onttoujours cru être nés au Québec. Lorsque le testament de leur mère leur annonceautre chose, leur identité bascule et ils se retrouvent à ne plus savoir quiils sont vraiment. À mesure que l’histoire avance, le spectateur est témoin dela progression de Nawal et de celle des jumeaux dans ce qui sera un longparcours vers la connaissance de soi.

Ajouts

L’adaptation cinématographique d’Incendies démontre clairement aux spectateurs des deux œuvres à quel point l’art du cinéma peut utiliser l’image et les effets sonores afin de susciter des émotions fortes. Bien que la pièce de théâtre soit tout autant capable de bouleverser l’audience, le film ne se sert pas des mêmes techniques pour la faire réagir. Le travail de Villeneuve a permis à l’art cinématographique de mettre beaucoup plus d’emphase sur l’effet destructeur, cruel et sinistre de la guerre sur les personnages de l’histoire, surtout sur Nawal. En effet, grâce aux fortes images capturées par les caméras, le film se permet d’être beaucoup plus centré sur des démonstrations visuelles et auditives de la guerre, alors que la pièce en parle beaucoup plus qu’elle ne la démontre. Malgré que la guerre joue un rôle important, sa représentation n’est pas autant significative et troublante dans la pièce de théâtre que dans le film. Plusieurs monologues permettent à certains personnages de relater sur les actes haineux de la guerre, cependant, les images étant plus réelles que les mots, ont un effet plus perturbateur chez le spectateur.

« Ainsi, la version d’Incendies du dramaturge relève davantage de l’évocation qui suscite l’imaginaire, tandis que celle du réalisateur parvient à montrer plutôt qu’à dire ». (Pelletier, Roy, 2015)


Pelletier, E. et Roy, I. (2015). Incendies : Évoquer pour susciter l’imaginaire et montrer plutôt que de dire. Nouvelles études francophones, 30(2), p.111. Tiré de https://muse-jhu-edu.proxy.bib.uottawa.ca/article/612231

Suppressions

Peu de péripéties sont oubliées des évènements principauxde l’histoire. Le film reste très fidèle au récit de Mouawad, cependant,quelques personnages de la pièce disparaissent du film pour n’être que mieuxreprésentés par d’autres. Bien que quelques personnages de niveaux secondaires soientremplacés par d’autres de façon quasi inaperçue, il y a un personnagesignificatif du récit qui est presque complètement tombé dans l’oubli. Sawda,personnage du passé, a vécu dans les camps de réfugiés avec Wahab le premieramour de Nawal. Lorsque Nawal décide de partir à la recherche de son fils,Sawda, admiratrice, lui suggère de l’aider à condition que Nawal lui apprenne àlire. Ce périple qui durera plus de vingt ans dans la pièce de théâtretransporte les spectateurs dans une amitié profonde. Ensemble, Nawal et Sawdavivront le pire entourées des violences de la guerre, ce qui mettra abruptementfin à leur voyage ensemble. Sawda, toujours en train de chanter, quittera Nawalqui elle, décide de poursuive dans l’acte de violence. Afin de toujours êtreensemble, puisqu’il n’a rien de plus beau que d’être ensemble, Nawal promet àSawda de chanter lorsqu’elle aura besoin de courage. Cette amie importante duprotagoniste n’est pas mentionnée dans le film outre le fait que Nawal estsurnommé la femme qui chante. Dans toute cette horreur qu’est l’emprisonnement,la torture et le viol, le spectateur se demande pourquoi Nawal chante. Pourceux qui auront aussi vu la version de Mouawad, ils comprendront qu’elle chanteétant à la recherche d’un peu de courage en se remémorant sa meilleure amieSawda.

Modifications

Dans le film, le personnage de Simon est représenté defaçon beaucoup plus compréhensif que dans la pièce de théâtre. Dans la pièce,Simon est vulgaire et chargé de haine envers sa défunte mère. Il n’a aucun respectpour les dernières volontés de celle-ci et il n’a aucune intention de faireautrement qu’à sa manière. De plus, ses discours sont remplis de jurons ce quifait de lui quelqu’un qui n’inspire pas confiance. Villeneuve a adapté lepersonnage de Simon afin de le rendre un peu plus transparent. Il a effacé lacarrière de boxer de Simon pour ne la remplacer avec rien d’autre et il aadouci les propos haineux du jumeau pour laisser une plus grande place aupersonnage de Jeanne. Dans le film, la jumelle joue un rôle beaucoup plussignificatif dans la recherche identitaire de la famille que son frère. Sacuriosité et son empathie envers sa mère sont plus grandes que celle de Simonet cela fait d’elle un personnage auquel Villeneuve s’attarde plus.

D’autant plus,en adaptant l’histoire de la famille Marwan, Villeneuve a dû faire quelqueschangements dans le déroulement des évènements. Une des modifications majeuresest celle du contexte entourant la rencontre entre Nawal et son premier fils.Vers la fin de sa vie au Québec, Nawal revoit son premier enfant par hasard età la suite de cette rencontre elle ne prononcera plus un seul mot pendant cinqans. Dans la pièce de théâtre, Nawal met un nez de clown dans le seau quicontient son fils. Lorsque celui-ci arrive à l’orphelinat on garde cet objetprécieusement afin de le laisser à cet enfant lorsqu’il grandira. À soixanteans, Nawal se retrouve victime dans un procès contre son bourreau de l’époqueoù elle était en prison. C’est à ce moment que l’accusé sort ce petit nez declown disant qu’il vient de sa mère biologique jamais retrouvée. Alors que laversion théâtrale démontre que c’est de cette façon que Nawal prend consciencede la personne qu’est devenu son premier fils issu de l’amour, le film nechoisit pas le même contexte. Dans le film, l’enfant naissant est tatoué detrois petits points noirs sur la cheville. Plusieurs années plus tard, par unhasard du destin, ce fils et sa mère se retrouvent tous deux à la piscinemunicipale de leur pays d’accueil, le Canada. Nawal dans la piscine voitd’abord le pied tatoué de son garçon issu de l’amour. Une fois sortie de l’eau,c’est le visage de son bourreau à la cheville tatoué de son fils qu’ellereconnait. Bien que les circonstances soient changées dans le film par rapportà l’histoire originale, Villeneuve a su maintenir le même effet perturbateur decette découverte.

Conclusion

L’une complète l’autre

En passant par la modification inévitable du texte théâtrale, Villeneuve à tout de même réussit à capter l’essentiel et à effacer peu de l’encre originale. Cependant, ce qui fait de ces deux œuvres un travail particulier, est le fait que chacune d’elle ne peut pas se dissocier de l’autre. Après avoir pris conscience de l’existence de la pièce de théâtre et du film, le spectateur se rend compte à quel point les deux se complètent. Par exemple, alors que Mouawad ne fait qu’inclure dans le texte un mention du notaire disant que Nawal avait une phobie des autobus, Villeneuve tant qu’à lui explore cette phobie avec plus de profondeur. La scène complète de l’autobus incendié représente une partie de l’histoire inconnu et non raconté du récit de Mouawad. En s’inspirant d’évènements réels, Villeneuve à créé cette scène qui sans doute, clarifie la phobie de Nawal.

De plus, tel mentionné plus haut, Villeneuve n’à pas fait exister Sawda, mais il a tout de même laisser le personnage de Nawal tenir sa promesse envers sa fidèle amie en la faisant chanter. Pour les spectateurs qui auront vu le film avant de lire la pièce de théâtre, ils croiront au fait que Nawal utilisait le chant comme méthode de résilience. Cependant, une fois qu’ils auront prie conscience du récit théâtrale, ils comprendront le vrai contexte qui inclut Sawda.

Plusieurs autres éléments de ses deux histoires concordent bien ensemble. Beaucoup de ces éléments ne peuvent qu’être compris dans leur totalité qu’en ayant connaissance de la pièce et du film. C’est pourquoi les deux œuvres sont interdépendante et se complète très bien.

L’essentiel

Un travail d’adaptation est réussi lorsque le spectateur de l’un ou de l’autre évoque les mêmes émotions face aux récits. François Truffaut est d’accord avec cette affirmation. En 1954, il a écrit dans un article dans les cahiers du cinéma disant :

« Seule compte la réussite du film, celle-ci liée exclusivement à la personnalité du metteur en scène […] Il n’y a donc ni bonne ni mauvaise adaptation […] la même chose, en mieux ; autre chose, de mieux »

Les cahiers du cinéma, n° 31, janvier 1954

L’adaptation d’Incendiesa suscité de nombreuses critiques positives en plus de gagner de nombreux prixprouvant à quel point le public a été perturbé par cette histoire poétiquementracontée à l’aide d’images, de musique, de son et de lieux de tournages plusqu’adaptés.

Finalement

Finalement, en travers tous ses ajouts, suppressions etmodification, Villeneuve à créer une autre œuvre en soi. Avec son médiumartistique plus populaire, il aura réussi à exposer l’histoire de Nawal à unplus grand nombre de spectateurs. Le film apportant des clarifications àl’œuvre originale et l’œuvre de Mouawad confirmant le scénario de Villeneuverien ne peut être ajouté. Les incendies de ce récit se ravivent maintenantà  l’écran et sur scène.

Liens pratiques

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Critiquer le travail du réalisateur: Polytechnique (Denis Villeneuve, 2009)

Réveil d’un matin d’école ordinaire, engouffré sous la neige, les élèves de l’école polytechnique n’ont aucune idée de la tragédie qui les attend le 6 décembre 1989. En regardant ce film qui aura causé bien des débats au sein de la population québécoise, le spectateur, captivé par le travail du réalisateur, ne peut s’empêcher de se poser quelques questions. Il essaie d’abord de comprendre le point de vue du tueur. Par le travail du réalisateur, il est intéressant de voir les évènements se dérouler à la fois dans le contexte des victimes et dans celui du meurtrier. Le spectateur se questionne aussi à savoir pourquoi le film, malgré sa date de sortit,  a été réalisé en noir et blanc. Le film pousse aussi ceux qui le regardent à s’interroger sur d’autres choix artistiques du réalisateur tels que l’aspect temporel du film, les mouvements de caméra particuliers ainsi que la quantité de dialogue présent dans le film. C’est en tentant de se mettre dans la peau du réalisateur, de ceux qui ont vécu l’évènement et de ceux qui visionneront le film que ces questionnements peuvent être clarifiés.

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 Polytechnique fut à l’affiche dans les cinémas du Québec en 2009. Un film faux documentaire qui a pour but de reproduire les évènements du 6 décembre 1989. Un tireur aux convictions haineuses qui n’a qu’une cible : les féministes. D’après le meurtrier, dans une école où les apprentis ingénieurs sont formés, les femmes n’y sont pas à leur place. Tel qu’arrivé dans la vraie vie, Villeneuve nous montre d’abord un personnage « post » tuerie qui tente en vain d’accomplir ses dernières volontés. Ce jour-là, Marc Lépine, 25 ans, a pris la décision de s’enlever la vie et d’apporter avec lui celles qui croit-il, le méritent. Avant de commettre cet acte, il choisit décrire une lettre pour sa mère afin de lui expliquer se qui l’aura poussé à choisir la mort plutôt que la vie. C’est en faisant lire la lettre réellement écrite par Lépine par l’acteur incarnant le rôle du tueur en voit hors champ, que le réalisateur tente d’expliquer le criminel aux spectateurs. La totalité du film se déroule dans les écrits haineux du tueur et dans les sanglots ravageurs des étudiants. Tel qu’écrit dans sa lettre, voulant à tout prix qu’on se souvienne de lui pour ses actions sociopolitiques, Marc Lépine, dans son mal de vivre, apportera avec lui une part d’injustice auprès des féministes de ce monde.

Pour nous mettre dans l’ambiance, Denis Villeneuve nous crée un film en noir et blanc. Au 21e siècle, il y a déjà bien longtemps qu’on n’en fait plus de ceux-là. C’est peut-être frappant pour certains de ne pas voir de couleur, mais on s’y habitue rapidement. Choquée par les images que l’on voit, l’absence de couleur prend vite un sens. C’est une journée d’hiver sombre, dramatique, effrayante, tous des mots qui ne s’agence pas avec la couleur. Cette décision prise par le réalisateur donne de l’amplitude à leurs émotions lors du visionnement. D’abord, les images de cette fatidique journée sont synonymes de la réalité de décembre ’89. Sans doute, le choix du noir et blanc invoque une forme de respect envers les vraies victimes de cet évènement. Villeneuve rend hommage à ceux-ci en montrant toute la noirceur du geste posé par le tueur. De plus, le film en noir et blanc représente le passé. En tournant Polytechnique en noir et blanc, le réalisateur tente de souligner le fait que l’histoire est un marqueur important d’une autre époque. Pour terminer, le film étant pourvus de multiples scènes sanglantes, le choix de tourné en noir et blanc facilite, quoi que seulement à peine, le visionnement de ce film.

Bien que le film soit issu de la réalité, c’est en éliminant les barrières entre le passé, le présent et le futur que Villeneuve nous raconte les coups de feu, les cris et les derniers souffles des étudiants de l’école polytechnique. S’échelonnant sur une ligne du temps décousu, les scènes portent à confusion tout en captivant son auditoire. Sachant déjà les éventualités du film, les spectateurs sont constamment en attente du premier coup de feu. Villeneuve tente de prouver un point important en exposant les scènes sur une ligne du temps décousu. N’étant jamais certains si ce que l’on voit s’est déroulé avant ou après la tuerie, nous omettons de croire en la valeur temporelle de la vie. Peu importe si le premier coup de feu fut entendu dans la scène que l’on voit à l’écran, dans celle d’avant ou celle d’après. De toute façon, il sera entendu, c’est inévitable.

Le film témoigne non seulement d’une noirceur infinie, mais aussi d’angles de caméra incongrus. À quatre reprises pendant le film on peut voir une scène filmée à la diagonale, à la verticale ou encore complètement à sens inverse. Pourquoi cette démarche artistique du réalisateur? Que veut-il nous dire? Une théorie possible est qu’il essaie de nous transmettre à quel point cette tragédie met les victimes et leurs entourages sens dessus dessous. En regardant la caméra tourner sur elle-même, le spectateur, ayant des maux de cœur rien qu’à regarder le film, ressent se malaise physique de façon encore plus amplifié. Une autre théorie possible est que Villeneuve essaie de nous démontrer indirectement son interprétation des évènements. En rendant quelques plans complètement sens dessus dessous, le réalisateur nous montre une vision du monde qui n’a plus de direction et une société québécoise qui perd elle-même tous ses sens.

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Une autre décision artistique qui rend la façon dont se film est raconté particulière est le fait qu’il y a peu d’échange verbale entre les différents personnages. Un film sans dialogue, mais qui réussit tout de même à raconter une histoire si atroce soit-elle. Pendant toute la durée du film, les échanges de paroles entre les personnages se comptent sur les doigts de la main. C’est avec le silence et les sons que le réalisateur nous fait entendre le 6 décembre 1989. C’est comme si les paroles échangées ce jour-là ont perdu toute leur importance. Avant le premier coup de feu, c’était une journée comme une autre. Villeneuve tente de démontrer que les échanges des étudiants deviennent insignifiants sachant qu’une conscience mal intentionnée se promène armée dans les couloirs du cégep.

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Tragédie québécoise, racontée par des Québécois, Polytechnique surpasse les attentes des spectateurs. Ravivant les souvenirs enfouis depuis déjà vingt ans, le film ne manque pas en émotions. Sachant poignarder ses spectateurs, Denis Villeneuve oublie les règles du cinéma documentaire pour faire du 6 décembre 1989 une série d’images poétiques. Il donne la chance au spectateur de connaitre le tueur et de faire entendre ses mots. Il donne une signification hors convention au choix du noir et blanc pour ce film. Il efface la ligne du temps afin de démontrer son insignifiance et il raconte en silence les coups de fusil meurtrier afin d’amplifier les gestes du tueur. Chaque scène de ce film raconte la mémoire des futurs ingénieurs de l’école Polytechnique. Chaque mouvement de caméra dirige le spectateur dans ses émotions et dans son mal face aux images qu’il voit. Encore aujourd’hui, l’un des plus gros massacres au Canada perturbe ceux qui ont été touchés de près ou de loin par cette journée du 6 décembre 1989.

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Bande annonce du film

https://www.youtube.com/watch?v=I1pbAZAhv54

Pour ceux intéressés de se procurer le DVD du film, voici un lien amazon:

Polytechnique (Two-Disc Special Edition)

Bienvenue sur mon blogue

Pour les curieux, je me présente.

Je suis une étudiante en 4e année d’un baccalauréat spécialisé en étude du cinéma avec une mineure en communication à l’université d’Ottawa. Depuis que j’ai commencé mes études post secondaire, je me suis perdu, je me suis cherchée et j’attends encore le jour où je me trouverai. Le périple de l’adolescence à l’âge adulte est aussi beau que difficile, mais il est aussi très instructif. Je trouve que l’expérience de vie et les connaissances que j’ai acquises durant cette période de ma vie valent la peine d’être partagées.

Ceux qui me connaissent un peu mieux savent que j’ai tenté auparavant de partager mes connaissances en faisant des vidéos sur YouTube. Malheureusement j’en suis venue à la conclusion que cette plateforme n’est pas la plus appropriée pour moi. J’ai toujours été quelqu’un qui s’exprime mieux par l’écriture que par n’importe qu’elle autres types de communication. C’est pourquoi j’ai enfin décidé de commencer un blogue.

Ce qui est sur, c’est qu’un désir intense de partager ce que je sais avec les autres m’habite. Que je puisse le faire à l’aide de mots ou à l’aide d’image, cela m’importe peu. L’important est de partager mes opinions, mes analyses et mes émotions avec vous.

Au cours de mes études post secondaire, j’ai eu à plusieurs reprise, l’opportunité d’écrire des analyses et des critiques sur plusieurs films. Plutôt d’écrire que pour mes professeurs, j’ai envie de partager avec vous ce que j’ai découvert. Je vous partagerai des analyses de niveau académique, mais aussi des opinions et des réflexions plus personnelles sur des films, des téléséries et même des livres.

En plus de trouver du contenu sur tout cela, ce blogue inclura aussi beaucoup de textes personnels dans lesquels je vous parlerais d’expériences instructives auxquelles j’ai dû faire face. La principale thématique que j’évoquerai dans ces textes sera inévitablement le diabète de type 1. Depuis l’âge de 5 ans que je vis avec cette maladie incurable. Encore aujourd’hui je trouve difficile de trouver des témoignages de gens comme moi, qui vivent avec le diabète quotidiennement. Si le fait de partager mon expérience peut ne venir en aide qu’à une autre personne atteinte du diabète de type 1, je serai satisfaite.

Ça fait longtemps que je sais que j’ai des choses à dire, mais jusqu’à ce jour, je n’avais jamais pensé qu’un blogue serait le bon médium pour moi. Maintenant que je commence cette aventure, je souhaite à qui que se soit qui se retrouvera sur mon blogue, de découvrir quelque chose d’intéressant.

Pour moi écrire c’est très personnel. Je le fais parce que peu importe, ça m’aide. Alors toi qui se retrouves sur ma page, je t’invite à poursuivre ta lecture, au cas ou ça t’aiderait.

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