Analyse de film – Au cas ou ça t'aiderais

Spike Lee Do the right Thing – Analysis of the riot scene

If you know anything about American’s film history, you probably know about Spike Lee’s famous film: Do the Right Thing (1989). Most importantly, you must have watched the movie and even today, you must remember the riot scene at the end of the movie. This particular scene included most of the social issues debated by Lee’s cinematography. Although the whole movie implements discussed topics of the late 80s, the part with the most impact is this scene. Through many cinematic and formal properties, elements like racisms and ethnic equality are manipulated in the sequence. With the use of mise-en-scene, dialectic montage, music, manipulation of reality and racial stereotypes, Lee provoked discussions and reactions from his viewers.

The scene discussed starts exactly when Radio Raheem (Bill Nunn) and Buggin’ Out (Giancarlo Esposito) enter Sal’s (Danny Aielo) pizzeria. Raheem is carrying his radio and, like always, he’s playing the song Fight the Power by Public Enemy very loudly.

Having asked Radio Raheem earlier that day to turn down the music, Sal is now losing his temper and he starts yelling at Raheem to stop the music. Since Radio Raheem and Buggin’ Out specifically came in the pizzeria to threat Sal about the pictures on the wall of the restaurant, the discussion quickly takes another angle. Everybody starts yelling nonsense at each other while Sal takes the baseball bat he has behind the counter and starts hitting on Raheem’s loud radio, which is on the counter. The music stops and leaves the whole place completely silent until Radio Raheem jumps on Sal and they start to fight. They eventually end up outside, the cops arrive and try in vain to separate everybody. In the middle of the screams, the spits and the fighting, three policemen begin to strangle Radio Raheem with their police baton. They only stop once he’s dead even if he had stopped being a threat long before his last breath.

In the midst of all this chaos, the main character, Mookie (Spike Lee), takes a garbage can and throws it at the window of his boss’s pizzeria. The crowd of black people get excited again and so they start to demolish everything in Pal’s restaurant. After setting fire to the place, firemen arrive and try to do their job as black people are fighting against them. Then, we see Mookie sitting on the pavement on the other side of the street, completely awestruck by what he’s seeing. The scene ends with Smiley’s (Roger Guenveur Smith) character pinning pictures of Martin Luther King and Malcolm X to the wall of the burning pizzeria. The whole scene lasts for about twelve minutes leaving any spectators into a thoughtful state of mind.

This scene sure leaves everyone into thoughtfulness, but it’s not just the actions in it that are doing this effect. Lee uses many subtle mise-en-scene strategies to show the relation between the characters. The first things he uses throughout the scene are high and low angles to show superiority or inferiority. The first example happens when Radio Raheem and Buggin’ Out enters the pizzeria.

The camera is placed lower so that they look taller whereas the camera is placed over Pal’s head to show that he’s inferior to them at that moment. The second example happens after Pal destroys Raheem’s radio, his face is shown from bellow, making him the superior race as he’s white. Radio Raheem’s face is shown from above to make him inferior. The third example happens after they start to fight. All the shots of black people are shown from bellow except one shot where we see Mookie. This character works for Pal so he doesn’t necessarily want to cause him any trouble. Therefore he doesn’t feel like the race he belongs to. Also, while Pal is beaten; shots of his sons are shown from above to show their inferiority.

The second thing that Lee uses in this scene are canted frames. These distorted frames are used to show the twisted relationships between the characters. Small mise-en-scene moves like these often catch the eye of the spectators. It reminds them that they are watching a movie and it makes them question themselves (Carter, 2012). This is part of why Spike Lee’s movie is so brilliant.

Even though Lee’s use of mise-en-scene is smart, his dialectical technique and the use of the song Fight the Power are as well. In this particular scene he uses dialectical montage only once. This type of montage comes from Eisenstein, a soviet film director from the 1920’s. Dialectical editing is less time coherent than other types of editing. It plays with emotions and confusion to provoke a reaction from the spectators. It is possible to see it when Mookie throws the garbage can at the pizzeria window. First, there’s a shot of the tool breaking the glass from outside and then, there’s a shot of the metal container and millions of pieces of destructed glass from inside the restaurant. The same action can be seen twice even though it only happened once. Dialectical montage is used in this scene to create opposition and to remind the audience that they are watching a movie. (Hewson, 2017) Lee desires to remind the fictional aspect of his movie to his audience in part because he wants them to think and also because he expects a reaction from them. In spite of that, the song Fight the Power is used multiple times during the scene. This song was written by black people and with the purpose to show their pride. The song is often heard in the presence of Radio Raheem. After his death, the song only starts to play as a shot of the burning interior of the pizzeria is shown and it continues to play until the end of the scene. The song was cleverly place there because, as the lyrics are heard, the shot seen is proof that black people of this fictional neighbourhood indeed fought the power.

As it should be known, this film was shot in a New York neighbourhood. Lee deliberately insisted that his movie wouldn’t be filmed in a studio for sake of realism. Interestingly though, he made many changes to the streets where he decided to film. For example he replaced some windows and some doors, he repainted walls, he added graffiti and he even built the main set of the whole film: the pizzeria. The actors he paid to walk in the streets were purposely dressed in bright colors in order to refer to African culture. He even paid security to guard the area to make sure the prostitutes and drug dealers of the surroundings wouldn’t be seen on set while he was filming. The reason behind this is to show the majorly white audience the opposite of what they expected. Lee wanted an audience focused on the racial situation, not one focusing on all the wrongs of the “inferior race”. He omitted to use certain racial stereotypes therefore making a greater impact.

Even though there are some dismissed tropes in Spike’s movie, there are still some. There is one in particular that seems to be necessary, otherwise it would change the whole course of the story. This trope is the extent of Buggin’ Out’s reaction in relation with the original problem which is, the owner’s choice of pictures hanging on the wall. Indeed, Buggin’ Out’s opinion is personal and whether Pal wants to put pictures of Italian celebrities on the wall of his pizzeria or not shouldn’t bother the black man enough to cause a riot. This trope is called disproportionate retribution and they are often used in black movies. It means that the cause and the event aren’t correlating. In other words, this trop represents that black people seem to exaggerate more than white people would.

In summary, the movie is a call for racial justice. Spike Lee wanted to create discussions among people and he succeeded. With the use of fine mise-en-scene, Lee displayed relations between races. He used dialectical montage to remind the audience that they were sitting in a theatre and music like Fight the Power to make his message appear stronger and clearer. Manipulation of reality is used to play with people’s minds and make them forget about their original misconceptions. Finally Lee used generic tropes to expose the vulnerability of black communities even more. The film he created is reactionary. Though the riot scene could’ve been avoided, it was necessary to make an impact and it was used brilliantly.

Watch it on Netflix

I’ve decided to post an analysis on Do the Right Thing since Netflix Canada announced that the movie would be available on their site starting June 5th. For any of you that are Netflix users, I invite you to go watch and enjoy the movie. If not, you may purchase the DVD by clicking on this link:

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L’adaptation cinématographique d’Incendies

Introduction

Depuis le commencement de la cinématographie, lescréateurs étaient à la recherche d’histoires à raconter. Avec la venue dusystème hollywoodien, les producteurs de films étaient constamment désireux d’unprojet à financer. Le marché du cinéma se déroulait à une vitesse importantetoujours dans le but de faire plus d’argent. Par manque de temps pour lacréativité, les livres sont devenus les principaux objets d’inspirations pourla majorité des films. Encore aujourd’hui les grands studios hollywoodiensutilisent cette façon de faire qui, semble-t-elle, ne perd pas en efficacité.Ailleurs dans le monde, plusieurs autres cinéastes font de même. C’est le casde Denis Villeneuve, célèbre réalisateur québécois, qui a adapté la pièce dethéâtre Incendies. L’oeuvre originaleécrite par Wadji Mouawad a été grandement appréciée par le public. D’abord présentéen 2003, la pièce se retrouve finaliste aux prixlittéraires du gouverneur général, catégorie théâtre. En 2004, elle gagnemeilleur texte francophone prix SonyLabou Tansi et le prix des lycéens.À la suite de ce remarquable succès, Denis Villeneuve s’applique à la difficiletâche d’adapter ce texte déjà brillant pour en faire un film. En 2010,l’adaptation de Villeneuve sort en salle de cinéma. Avec la mention gagnante deplus d’une trentaine de prix, le film éblouit tout autant les spectateurs. Cesœuvres ayant toutes deux fait fortune, apporte un intérêt intéressant au faitd’analyser le travail d’adaptation en tant que tel. Par le fait même, ce textes’attarde à observer ce qui fait d’Incendies une oeuvre à part entière peuimporte par quel médium elle est vue. Afin de mieux comprendre ces deux succèsartistiques, ce texte analyse les principaux ajouts, suppressions ainsi quemodifications que Villeneuve a apportés au récit de Mouawad. L’analyse setermine en constatant la relation créative qu’on les deux œuvres ainsi qu’enrelevant l’essentiel de cette adaptation cinématographique.

Développement

Résumé de l’histoire

Incendies estl’histoire de Nawal, émigré au Canada du Liban, aujourd’hui mère de jumeaux,Jeanne et Simon. Suite à sa mort, Nawal laisse aux jumeaux un testament plutôtdéstabilisant. Le décès de leur mère dévoile aux jumeaux que leur père qu’ilscroyaient mort à la guerre ne l’est pas et qu’un frère dont ils ignoraientl’existence existe. Le passé lugubre de Nawal, jamais dévoilé auparavant,s’anime à mesure que la recherche identitaire des jumeaux s’approfondit. Jeannepart la première dans se long voyage au pays natal de sa mère afin de trouverréponses à ses questions. Plus tard, Simon la rejoindra afin de leurspermettent de se rendre au bout de cette histoire qu’est le passé de leur mère.Leurs identités alors complètement basculées, les jumeaux découvrent la véritésur leurs origines, sur leur naissance.

Aspect principaux de l’oeuvre

Bien que les évènements narratifs de l’histoire diffèrentd’une œuvre à l’autre, Incendies estconstruit, autant dans la pièce de théâtre que dans le film, sur quelquesaspects qui font de se récit une histoire à part entière. Le premier aspectimportant de cette histoire est l’esprit cartésien de la jumelle. Jeanne en està son doctorat en mathématique. Sa vie tourne autour des mathématiques et ellene prend sens que par celles-ci. Dès le début du récit, la présence des mathématiquess’installe. Dans la pièce de théâtre, toute une scène à lieu en classe et estdédiée à la résolution d’un problème mathématique. Le film contient une scènesimilaire. Lorsque l’histoire se poursuit, dans les deux récits, la formulemathématique « 1+1=2 » est souvent répétée. À vrai dire, ce qui confirmel’importance des mathématiques est le dénouement de l’histoire. L’événement quimène au dénouement est la scène où Simon rencontre Chamseddine pour connaitrele passé du frère. Simon apprend seul la vérité sur l’identité de se frère. Plustard, il utilise la formule mathématique « 1+1=2 » afin de faire comprendre àsa sœur ce qu’on vient de lui apprendre. Jeanne qui depuis toujours comprend lavie avec des formules mathématiques comprend assez vite la situation.

Dans le même ordre d’idée, les mots et plusparticulièrement une phrase ont un impact assez particulier sur les personnagesde cette histoire. Dans les deux récits, il y a cette phrase d’une grandeimportance qui est répétée à plusieurs reprises : « Maintenant que noussommes ensemble, ça va mieux. Il n’y a rien de plus beau que d’être ensemble ».Pour l’histoire qu’est Incendies,cette phrase est un signe d’espoir et de fin heureuse. Le premier à prononcerces mots dans la pièce de théâtre est Wahab, le premier et seul vrai amoureuxde Nawal. Après avoir entendu cela pour la première fois, Nawal s’en souviendrapour le reste de sa vie et elle en fera sa devise. D’ailleurs, après avoir vécudans le silence pendant cinq ans, Nawal dit cette phrase une dernière fois puiselle meurt. Pour ajouter à son importance, cette phrase se retrouve ensuite aussidans chacune des lettres que Nawal a laissées à ses enfants ainsi qu’à leurpère.

Finalement, le dernier aspect qui est au cœur de cettehistoire est la quête identitaire. Puisque le film est issu d’une temporalitévariable, le spectateur est témoin en simultané de cette quête qui a lieu chezNawal et chez les jumeaux. Après avoir été séparé de son premier fils orphelinné d’un amour religieusement honteux, Nawal tente de réparer ses blessures en poursuivantson éducation. Lorsque la guerre éclate, elle n’y voit aucune utilité alorselle part à la recherche de son fils issu de l’amour. Sa quête durera plusieurslongues années au cours desquels elle prendra des décisions et posera des actesqui forgeront la personne qu’elle deviendra. Quant à eux, les jumeaux onttoujours cru être nés au Québec. Lorsque le testament de leur mère leur annonceautre chose, leur identité bascule et ils se retrouvent à ne plus savoir quiils sont vraiment. À mesure que l’histoire avance, le spectateur est témoin dela progression de Nawal et de celle des jumeaux dans ce qui sera un longparcours vers la connaissance de soi.

Ajouts

L’adaptation cinématographique d’Incendies démontre clairement aux spectateurs des deux œuvres à quel point l’art du cinéma peut utiliser l’image et les effets sonores afin de susciter des émotions fortes. Bien que la pièce de théâtre soit tout autant capable de bouleverser l’audience, le film ne se sert pas des mêmes techniques pour la faire réagir. Le travail de Villeneuve a permis à l’art cinématographique de mettre beaucoup plus d’emphase sur l’effet destructeur, cruel et sinistre de la guerre sur les personnages de l’histoire, surtout sur Nawal. En effet, grâce aux fortes images capturées par les caméras, le film se permet d’être beaucoup plus centré sur des démonstrations visuelles et auditives de la guerre, alors que la pièce en parle beaucoup plus qu’elle ne la démontre. Malgré que la guerre joue un rôle important, sa représentation n’est pas autant significative et troublante dans la pièce de théâtre que dans le film. Plusieurs monologues permettent à certains personnages de relater sur les actes haineux de la guerre, cependant, les images étant plus réelles que les mots, ont un effet plus perturbateur chez le spectateur.

« Ainsi, la version d’Incendies du dramaturge relève davantage de l’évocation qui suscite l’imaginaire, tandis que celle du réalisateur parvient à montrer plutôt qu’à dire ». (Pelletier, Roy, 2015)

Pelletier, E. et Roy, I. (2015). Incendies : Évoquer pour susciter l’imaginaire et montrer plutôt que de dire. Nouvelles études francophones, 30(2), p.111. Tiré de https://muse-jhu-edu.proxy.bib.uottawa.ca/article/612231

Suppressions

Peu de péripéties sont oubliées des évènements principauxde l’histoire. Le film reste très fidèle au récit de Mouawad, cependant,quelques personnages de la pièce disparaissent du film pour n’être que mieuxreprésentés par d’autres. Bien que quelques personnages de niveaux secondaires soientremplacés par d’autres de façon quasi inaperçue, il y a un personnagesignificatif du récit qui est presque complètement tombé dans l’oubli. Sawda,personnage du passé, a vécu dans les camps de réfugiés avec Wahab le premieramour de Nawal. Lorsque Nawal décide de partir à la recherche de son fils,Sawda, admiratrice, lui suggère de l’aider à condition que Nawal lui apprenne àlire. Ce périple qui durera plus de vingt ans dans la pièce de théâtretransporte les spectateurs dans une amitié profonde. Ensemble, Nawal et Sawdavivront le pire entourées des violences de la guerre, ce qui mettra abruptementfin à leur voyage ensemble. Sawda, toujours en train de chanter, quittera Nawalqui elle, décide de poursuive dans l’acte de violence. Afin de toujours êtreensemble, puisqu’il n’a rien de plus beau que d’être ensemble, Nawal promet àSawda de chanter lorsqu’elle aura besoin de courage. Cette amie importante duprotagoniste n’est pas mentionnée dans le film outre le fait que Nawal estsurnommé la femme qui chante. Dans toute cette horreur qu’est l’emprisonnement,la torture et le viol, le spectateur se demande pourquoi Nawal chante. Pourceux qui auront aussi vu la version de Mouawad, ils comprendront qu’elle chanteétant à la recherche d’un peu de courage en se remémorant sa meilleure amieSawda.

Modifications

Dans le film, le personnage de Simon est représenté defaçon beaucoup plus compréhensif que dans la pièce de théâtre. Dans la pièce,Simon est vulgaire et chargé de haine envers sa défunte mère. Il n’a aucun respectpour les dernières volontés de celle-ci et il n’a aucune intention de faireautrement qu’à sa manière. De plus, ses discours sont remplis de jurons ce quifait de lui quelqu’un qui n’inspire pas confiance. Villeneuve a adapté lepersonnage de Simon afin de le rendre un peu plus transparent. Il a effacé lacarrière de boxer de Simon pour ne la remplacer avec rien d’autre et il aadouci les propos haineux du jumeau pour laisser une plus grande place aupersonnage de Jeanne. Dans le film, la jumelle joue un rôle beaucoup plussignificatif dans la recherche identitaire de la famille que son frère. Sacuriosité et son empathie envers sa mère sont plus grandes que celle de Simonet cela fait d’elle un personnage auquel Villeneuve s’attarde plus.

D’autant plus,en adaptant l’histoire de la famille Marwan, Villeneuve a dû faire quelqueschangements dans le déroulement des évènements. Une des modifications majeuresest celle du contexte entourant la rencontre entre Nawal et son premier fils.Vers la fin de sa vie au Québec, Nawal revoit son premier enfant par hasard età la suite de cette rencontre elle ne prononcera plus un seul mot pendant cinqans. Dans la pièce de théâtre, Nawal met un nez de clown dans le seau quicontient son fils. Lorsque celui-ci arrive à l’orphelinat on garde cet objetprécieusement afin de le laisser à cet enfant lorsqu’il grandira. À soixanteans, Nawal se retrouve victime dans un procès contre son bourreau de l’époqueoù elle était en prison. C’est à ce moment que l’accusé sort ce petit nez declown disant qu’il vient de sa mère biologique jamais retrouvée. Alors que laversion théâtrale démontre que c’est de cette façon que Nawal prend consciencede la personne qu’est devenu son premier fils issu de l’amour, le film nechoisit pas le même contexte. Dans le film, l’enfant naissant est tatoué detrois petits points noirs sur la cheville. Plusieurs années plus tard, par unhasard du destin, ce fils et sa mère se retrouvent tous deux à la piscinemunicipale de leur pays d’accueil, le Canada. Nawal dans la piscine voitd’abord le pied tatoué de son garçon issu de l’amour. Une fois sortie de l’eau,c’est le visage de son bourreau à la cheville tatoué de son fils qu’ellereconnait. Bien que les circonstances soient changées dans le film par rapportà l’histoire originale, Villeneuve a su maintenir le même effet perturbateur decette découverte.

Conclusion

L’une complète l’autre

En passant par la modification inévitable du texte théâtrale, Villeneuve à tout de même réussit à capter l’essentiel et à effacer peu de l’encre originale. Cependant, ce qui fait de ces deux œuvres un travail particulier, est le fait que chacune d’elle ne peut pas se dissocier de l’autre. Après avoir pris conscience de l’existence de la pièce de théâtre et du film, le spectateur se rend compte à quel point les deux se complètent. Par exemple, alors que Mouawad ne fait qu’inclure dans le texte un mention du notaire disant que Nawal avait une phobie des autobus, Villeneuve tant qu’à lui explore cette phobie avec plus de profondeur. La scène complète de l’autobus incendié représente une partie de l’histoire inconnu et non raconté du récit de Mouawad. En s’inspirant d’évènements réels, Villeneuve à créé cette scène qui sans doute, clarifie la phobie de Nawal.

De plus, tel mentionné plus haut, Villeneuve n’à pas fait exister Sawda, mais il a tout de même laisser le personnage de Nawal tenir sa promesse envers sa fidèle amie en la faisant chanter. Pour les spectateurs qui auront vu le film avant de lire la pièce de théâtre, ils croiront au fait que Nawal utilisait le chant comme méthode de résilience. Cependant, une fois qu’ils auront prie conscience du récit théâtrale, ils comprendront le vrai contexte qui inclut Sawda.

Plusieurs autres éléments de ses deux histoires concordent bien ensemble. Beaucoup de ces éléments ne peuvent qu’être compris dans leur totalité qu’en ayant connaissance de la pièce et du film. C’est pourquoi les deux œuvres sont interdépendante et se complète très bien.

L’essentiel

Un travail d’adaptation est réussi lorsque le spectateur de l’un ou de l’autre évoque les mêmes émotions face aux récits. François Truffaut est d’accord avec cette affirmation. En 1954, il a écrit dans un article dans les cahiers du cinéma disant :

« Seule compte la réussite du film, celle-ci liée exclusivement à la personnalité du metteur en scène […] Il n’y a donc ni bonne ni mauvaise adaptation […] la même chose, en mieux ; autre chose, de mieux »
Les cahiers du cinéma, n° 31, janvier 1954

L’adaptation d’Incendiesa suscité de nombreuses critiques positives en plus de gagner de nombreux prixprouvant à quel point le public a été perturbé par cette histoire poétiquementracontée à l’aide d’images, de musique, de son et de lieux de tournages plusqu’adaptés.

Finalement

Finalement, en travers tous ses ajouts, suppressions etmodification, Villeneuve à créer une autre œuvre en soi. Avec son médiumartistique plus populaire, il aura réussi à exposer l’histoire de Nawal à unplus grand nombre de spectateurs. Le film apportant des clarifications àl’œuvre originale et l’œuvre de Mouawad confirmant le scénario de Villeneuverien ne peut être ajouté. Les incendies de ce récit se ravivent maintenantà l’écran et sur scène.

Liens pratiques

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